Expo: Made in USA

La Fundación Mapfre presenta en la Sala Recoletos la exposición "Made in USA: Arte americano de la Phillips Collection", que versa sobre una mirada al arte moderno americano.

Esta es la primera exposición internacional itinerante dedicada íntegramente al arte norteamericano reunido en la Phillips Collection. La visita se estructura en 10 secciones brindando una extensa selección de 91 obras de 62 artistas, fechadas desde finales del siglo XIX hasta la posguerra. Todas las obras expuestas pertenecen a los fondos de la Phillips Colección, primer museo de arte moderno que abrió en América, fundada en Washington en 1921.

La exposición se puede ver en la Sala Recoletos (Paseo de Recoletos, 23) del 6 de octubre hasta el 16 de enero de 2011.

Fuente: Fundación Mapfre
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Expo: Ghirlandaio y el Renacimiento en Florencia

Les recomendamos la exposición Ghirlandaio y el Renacimiento en Florencia, hasta el 10 de octubre en el Museo Thyssen, Madrid.

El Retrato de Giovanna degli Albizzi Tornabuoni de Domenico Ghirlandaio ha sido tradicionalmente la imagen icónica que representa la colección de pintura de Maestros Antiguos del Museo Thyssen-Bornemisza. Obra maestra absoluta dentro de la producción del artista, refleja de manera perfecta y hermosísima los ideales renacentistas del último cuarto del siglo XV.

Giovanna, nacida del 18 de diciembre de 1468, era la octava hija de Maso di Luca degli Albizzi y de Caterina Soderini. Recibió el tipo de educación que se consideraba propio de una joven de su categoría social. El acontecimiento más importante de su vida fue su matrimonio con Lorenzo Tornabuoni (1468-1497), heredero de una influyente familia vinculada a los Médicis. La boda se celebró en septiembre de 1486 con una plétora de festejos y durante tres días la hermosa Giovanna tuvo todo el protagonismo. El 11 de octubre de 1487 nació Giovannino, primer hijo de la joven pareja pero, desgraciadamente, Giovanna murió al año siguiente, cuando contaba diecinueve años de edad, de resultas de su segundo embarazo. La enterraron en la iglesia de Santa Maria Novella el 7 de octubre de 1488.

Giovanna pervivió para la posteridad gracias a Domenico Ghirlandaio, a quien hacia 1489 le encargaron que realizara un retrato póstumo destinado a ser colocado en un lugar de honor en el Palazzo Tornabuoni. Esta obra y su contexto más amplio constituyen el objetivo de la presente exposición del Museo Thyssen-Bornemisza. Cabe destacar que Ghirlandaio subrayó tres aspectos de la personalidad de la modelo —su belleza, su papel como esposa de Lorenzo y su virtud y devoción— que son los temas principales en torno a los cuales se ha organizado esta muestra.
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Expo: Balenciaga. El diseño del límite

Cristóbal Balenciaga (Getaria, Gipuzkoa, 1895–Jávea, Alicante, 1972) es uno de los creadores más importantes de la historia de la moda. En 1913 abrió su propio taller en San Sebastián y desde 1937 hasta mayo de 1968 tuvo tienda en París, en donde se convirtió en un referente de la alta costura, trabajando siempre en la búsqueda de un ideal de perfección y elegancia.

La exposición muestra cerca de cuarenta piezas de costura, procedentes de la colección del Gobierno Vasco, la Fundación Balenciaga, y dos colecciones particulares del País Vasco y Madrid. No pretende plantear una lectura disciplinar sobre la obra y el trabajo de este modisto sino que el itinerario por los distintos espacios del museo trata de inducir al espectador a una reflexión sobre el papel que la moda y el vestido pueden tener en el individuo y la colectividad: los vestidos de Balenciaga dibujan límites físicos y sociales, enmarcan a las mujeres que los llevan, transformándolas en mujeres elegantes que esconden su feminidad individual bajo una armadura de buen gusto y formas refinadas. La belleza geométrica de los cortes y la armonía cromática sorprenderán al espectador en un excepcional montaje dedicado a uno de los mejores modistos de la edad de oro de la alta costura.

Además, y paralelamente, el museo ofrecerá diversas actividades de carácter informativo y educativo relacionadas con la temática de la exposición. Hasta el 26 de septiembre.
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Tom of Finland XXL

En 1998 TASCHEN introdujo por primera vez en el mundo la majestuosa obra de Touko Laaksonen con el libro The Art of Pleasure. Laaksonen, conocido popularmente como Tom of Finland, disfrutaba de gran éxito y era un artista de culto entre la comunidad gay internacional pero se mantenía desconocido para la gran audiencia. The Art of Pleasure le otorgó el reconocimiento que se merecía y además incrementó sus seguidores de una manera casi exponencial; ahora con Tom of Finland XXL ocupará un lugar por siempre en el reino de las bellas artes.

1000 imágenes, un formato excepcional: 29 por 40.5cm, y 704 páginas, Tom of Finland XXL recorre 6 décadas de la carrera del artista. Las obras se han reunido a través de diferentes colecciones de EE.UU y Europa y, gracias a la ayuda de la Fundación Tom of Finland se han podido incluir una gran cantidad de dibujos, bocetos y pinturas hasta ahora inéditos. Otras imágenes, que sólo se habían mostrado fuera del contexto editorial, se presentan por primera vez en el orden secuencial en el que Tom lo había previsto para una mejor apreciación artística y un mayor impacto erótico. Este elegante volumen de gran tamaño permite admirar la variedad de su talento: desde sus retratos más sensibles a las ilustraciones sexuales más francas y explícitas, pero también capta y rinde tributo a todos esos jóvenes golpeados por la epidemia del SIDA.

Completando esta edición de coleccionista se incluyen ocho ensayos muy especiales sobre el impacto de Tom of Finland a nivel personal y social, realizados por Camille Paglia, John Waters, Armistead Maupin, Todd Oldham, y muchos otros, además de un análisis sobre sus dibujos escolares realizado por el historiador del arte Edward Lucie-Smith. Para los hombres, o las mujeres, que piensan que lo grande siempre es mejor, Tom of Finland XXL realmente les va a encantar.

Sobre los autores:
Edward Lucie-Smith nació en 1933 en Kingston, Jamaica, y estudió en Oxford. Ha publicado más de 100 libros, incluyendo Sexuality in Western Art y Latin American Art of the 20th Century. Vive en Londres y viaja extensamente.

Armistead Maupin lanzó su serie de ficción Tales of the City en el San Francisco Chronicle en 1976, luego publicada como una serie de novelas en seis volúmenes, tres de los cuales fueron adaptados a la televisión en una miniserie. Vive en San Francisco.

El estudio de Todd Oldham es un estudio de diseño multifacético de films, fotografía, mobiliario, decoración de interiores, libros e incluso arreglos florales. Oldham vive en la ciudad de Nueva York y en el este de Pennsylvania.

Camille Anna Paglia es autora de cinco libros, incluido Sexual Personae: Art and Decadence from Nefertiti to Emily Dickinson, su análisis rompedor de la ambigüedad sexual en el arte y la literatura. Paglia es profesora universitaria de humanidades y estudios mediáticos en la Universidad de las Artes, Filadelfia, Pennsylvania, donde vive.

John Waters nació en 1946 en Baltimore, Maryland, y asistió brevemente a la Universidad de Nueva York. Realizó su primera película, Hag in a Black Leather Jacket, en 1964, y desde entonces ha dirigido otras 16, incluyendo Pink Flamingos, Polyester, Hairspray y Pecker. Vive en Baltimore.

Sobre la editora / el editor:
Dian Hanson es una editora de más de 25 años de experiencia en las publicaciones masculinas. Comenzó en Puritan Magazine en 1976 y editó otros títulos no menos importantes como Partner, OUI, Hooker, Outlaw Biker, y Juggs magazines. Es la autora y editora de otros libros de TASCHEN: The Big Book of Breasts y The Big Penis Book, entre otros.

Fuente: Taschen

Tom of Finland: The Comic Collection

La colección de Cómic es la compilación única de las historias populares de Tom of Finland. Cada uno de cinco volúmenes de 192 páginas cuenta con ocho o más historias completas, incluyendo los veintiséis episodios de Kake, Tom`s leatherman último infame.

Las historias están ordenadas cronológicamente en los libros en este tamaño para encajar perfectamente en una mano, con todo el valor apropiado alojados en una caja de presentación. Para los chicos que les gustan los chicos que les gusta el arte.

Durk Dehner es el archivero de Tom of Finland. Nació en Alberta, Canadá, donde estudió arte antes de mudarse a los Estados Unidos a mediados de los setenta. Trabajó como modelo para los fotógrafos Bruce Weber y Ken Haak, y comenzó a trabajar con Tom de Finland en 1978 como su enlace de relaciones públicas. Dehner fue decisivo en sacar a Tom fuera del metro y de centrar la atención pública sobre su obra. Los dos co-fundadores de la Fundación Tom of Finland en 1984 como un archivo para el trabajo de Tom y la historia de su vida. Él continúa como director de la Fundación, con sede en Los Ángeles, California, y lo ha ampliado para proporcionar un refugio para todas las formas de arte erótico.

Fuente: Taschen

Tom of Finland: The Complete Kake Comics

La editorial Taschen recopila en un solo tomo todos los Kake Comics de Tom of Finland, cuyo nombre real es Touko Laaksonen, uno de los más populares dibujantes homoeróticos del Siglo XX.

Después de publicar sus trabajos bajo ese pseudónimo para evitar represalias en su país, fundó en 1979 la fundación "Tom of Finland Company", para distribuir su obra. Tras su muerte la fundación sigue activa, sin ánimo de lucro, para difundir y preservar la más conocida obra homo-erótica del mundo.

Tom era un hombre progre, adelantado a su época, en contra de las injusticias humanas y pese que ha sido tachado incluso de racista, viendo su obra está claro que no, pues representaba de la misma manera al hombre negro y al blanco, incluso interactuando juntos.

En este libro, que contiene toda su obra más famosa (Kake), con su típico estilo en blanco y negro y trazo limpio cuyos protagonistas son musculosos personajes de la vida cotidiana, terminan sin poder remediarlo practicando sexo.

Historias mudas en su gran mayoría, llenas de erotismo y finalmente sexo duro, con hombres perfectos y sanos, dibujados a lo largo de los años 60, 70, 80,…

El libro se complementa con collages que el propio Tom coleccionaba como referente y documentación, fotografías de la época que no tienen desperdicio y son muy interesantes.

Fuente: Comicpasion.com

Tom of Finland

Tom of Finland es el seudónimo del internacionalmente conocido artista finlandés Touko Laaksonen (Kaarina, Finlandia, 8 de mayo de 1920 - † Helsinki, Finlandia, 7 de noviembre de 1991), uno de los más populares dibujantes de las artes gráficas homoeróticas del Siglo XX.

Touko Laaksonen es quizás el artista gráfico que ha tenido, y tiene, más influencia en la comunidad y la cultura gay de la segunda mitad del siglo XX. Se traslada a los 19 años desde Kaarina, su ciudad natal, a Helsinki para asistir a la escuela de arte. Fue allí donde comenzó a realizar sus primeros dibujos homoeróticos inspirados en los varoniles trabajadores finlandeses que desde niño le atraían. Con el ingreso de Finlandia, en la Guerra de Invierno contra la URSS y el advenimiento de la II Guerra Mundial, Touko fue llamado a las filas en el ejército, lo que le permitirá tener un contacto directo con el rudo mundo militar. Después de la guerra, trabaja en la industria publicitaria y realiza por su cuenta sus dibujos.

En 1957, envió algunos de sus dibujos a la revista americana Physique Pictorial bajo el seudónimo de "Tom de Finlandia" para evitar problemas de discriminación en su país de origen. El nombre "Tom" lo escogió por la semejanza con su nombre propio "Touko". El trabajo de Touko llamó la atención de la comunidad gay y antes de 1973 ya tenía álbumes de tiras cómicas eróticas que publicaban su obra. Tom ganó pronto una gran popularidad con sus trabajos que se centraron en los iconos eróticos preferidos de la comunidad gay como leñadores, marineros, motoristas, policías, soldados, vaqueros y los llamados "lederones", hombres vestidos de cuero, leather en inglés.

Su obra:
Sus dibujos son en su mayoría trabajos a tinta en blanco y negro donde se representan a hermosos y musculados varones en escenas homoeróticas. Sus personajes frecuentemente van ataviados con vaqueros, ropas de cuero o distintas clases de uniformes, con un aspecto y estilo fácilmente identificables. Su serie cómica más famosa es "Kake", que incluye estos tipos en abundancia. Las exposiciones de la obra de Touko comenzaron en los años 70 y en 1973 dejó toda su obra a la firma publicitaria internacional McCann-Erickson de Helsinki.

"He vivido desde entonces en pantalones vaqueros y en mis dibujos" es cómo describió él su vida. En 1979 Touko funda la Fundación Tom de Finlandia (“Tom of Finland Company”) para recopilar y distribuir su obra. La Fundación existe todavía y sin ánimo de lucro con el fin de recopilar, preservar y exhibir la ilustración más célebre del homoerótico artístico. Durante la última década del Siglo XX la Fundación introdujo una línea de ropa basada en los trabajos de "Tom". Antes de su muerte, "Tom" participó en el documental Daddy and the Muscle Academy - The Art, Life, and Times of Tom of Finland.

Fuente: Wikipedia

+ info: Tom of Finland Foundation

El arte del poder. La Real Armería y el retrato de la corte

Exposición en el Prado, hasta 23 de mayo.

El Arte del poder es una excepcional ocasión para poder contemplar juntas por primera vez una parte muy representativa de las obras del Museo del Prado y de la colección de armaduras de Patrimonio Nacional. Se trata de un proyecto expositivo inédito en el que se establece una comparación directa entre los retratos de corte pintados por los grandes maestros, como Tiziano y Rubens, y las piezas de armadura que vestían los monarcas para simbolizar su imagen de poder en el momento de máximo esplendor de la Corona española. Treinta y cinco pinturas se enfrentan a veintisiete piezas y conjuntos de la Real Armería de Madrid -considerada, junto con la imperial de Viena, la mejor colección del mundo-, para narrar la evolución y el impacto que tuvo el retrato de corte entre los siglos XVI y XVIII. Cabe destacar la exhibición conjunta de Carlos V, a caballo en Mühlberg de Tiziano junto a la impresionante armadura ecuestre del emperador, auténtica obra maestra realizada por Desiderius Helmschmid, uno de los armeros más importantes del siglo XVI. La exposición de pinturas junto a este tipo de piezas, de gran tamaño, ha hecho necesario establecer un sistema especial de acceso con el fin de garantizar un aforo máximo regular durante todo el horario da apertura. Por este motivo, todas las entradas se expedirán con hora de acceso establecida, lo que hace recomendable su compra anticipada para poder seleccionar la fecha y hora de acceso más conveniente a cada visitante.

Partiendo de la muestra presentada en la National Gallery of Art de Washington el pasado año, la exposición El Arte del Poder se presenta en el Museo del Prado con un proyecto más completo que gira en torno al verdadero significado de las piezas de armería y su representación en la pintura explorando expositivamente un tema inédito, tratado únicamente hasta ahora de forma accesoria en algunos estudios relacionados con la historia del retrato.



Desde principios del siglo XVI hasta finales del XVIII ningún elemento formaba parte tan relevante de las características esenciales de la imagen del gobernante europeo como la armadura. Monarcas, emperadores, príncipes y nobles se hicieron retratar con ella conscientes de su simbólica asociación al poder. El arte del poder. La Real Armería y el retrato de corte incide precisamente en el papel trascendente de la Armería como colección de referencia en el desarrollo del género del retrato armado para mostrar la fortuna de la dinastía y su poder dominante en Europa.

La muestra recoge una cuidada selección de piezas forjadas por los armeros más relevantes del Renacimiento como los hermanos Negroli, la familia Helmschmid o Wolfgang Grosschedel, junto a esculturas del taller de Leone y Pompeo Leoni, un tapiz procedente de Patrimonio Nacional, que incluye un retrato armado de Carlos V, y obras de los más importantes pintores del momento como Tiziano , Rubens y Velázquez, procedentes del Museo del Prado y otras instituciones nacionales e internacionales, estableciendo entre ellas una profunda relación en la expresión de la representación del poder y la ideología de los monarcas españoles.

La Real Armería de Madrid

Holandeses en el Prado

La exposición Holandeses en el Prado se ha organizado con motivo de la publicación del primer catálogo de la colección de pintura holandesa del siglo XVII del Museo del Prado. Reúne un amplio conjunto de las obras de esta colección prácticamente desconocida, ya que desde mediados de la década de 1940 apenas está representada en las salas del Museo.

Por pintura holandesa se entiende la producida en las llamadas Provincias Unidas del Norte desde que, tras la firma de la Unión de Utrecht en 1579, se constituyeran en nación independiente, mientras que las Provincias Unidas del Sur (Flandes) permanecieron bajo dominio español. Eran siete provincias de las que Holanda era la mayor y su capital, Amsterdam, el motor económico de esta nueva nación que a lo largo del siglo XVII llegó a convertirse en una de las principales potencias europeas. La poderosa burguesía comerciante promovió un intenso desarrollo cultural y se sirvió de la pintura como el mejor vehículo de afi rmación de la nueva identidad nacional.

Coincidiendo con la celebración de esta exposición y como complemento a la misma, el Museo expondrá en una sala anexa La compañía del capitán Reijnier Reael y el teniente Cornelis Michielsz Blaeuw, de Franz Hals y Pieter Codde, procedente del Rijksmuseum de Amsterdam. Esta pintura, que se exhibe en el Prado como parte del programa 'La obra invitada', permanecerá expuesta en el Museo hasta el 28 de febrero.

Hasta el 11 de abril, + info

Expo: La obra invitada: La compañía del capitán Reijnier Reael

Frans Hals y Pieter Codde La compañía del capitán Reijnier Reael y el teniente Cornelis Michielsz Blaeuw. 1633-37 Óleo sobre lienzo, 209 x 429 cm. Ámsterdam, Rijksmuseum, préstamo de la Ciudad de Ámsterdam

Frans Hals (1581/85-1666) fue uno de los pintores holandeses más conocidos del siglo XVII, junto a Rembrandt y Vermeer. Aunque Hals desarrolló su carrera en Haarlem, el encargo para pintar este cuadro le llegó de Ámsterdam en 1633. Tras surgir una disputa entre los comitentes y el pintor por la tardanza de éste, la obra fue terminada en 1637 por Pieter Codde (1599-1678), un importante pintor de Ámsterdam.

La parte pintada por Hals es una muestra del momento más brillante de su carrera. Hals diseñó toda la composición, y pintó al menos las siete figuras de la parte izquierda de la escena. Las animosas expresiones de los rostros y la disposición de las manos y las cabezas de los personajes, que parecen participar de alguna acción o conversación, son recursos característicos del artista. También es un rasgo típico de Hals el protagonismo que adquieren algunas pinceladas, que utiliza fundamentalmente para describir los brillos causados por la luz. Esta forma de pintar, similar a la de Velázquez, haría de él un pintor predilecto de su compatriota Vincent Van Gogh (1853-1890), que expresó en una carta su admiración por la figura del abanderado en este cuadro.

La parte de esta escena pintada por Pieter Codde (a él se atribuyen las figuras de la parte derecha del cuadro, e importantes repintes en los atuendos de otros personajes) dista de su minuciosa técnica habitual, y demuestra que se esforzó por seguir el estilo de Hals. El cuadro pertenece al tipo de retrato de grupo conocido como “compañía de milicianos”, que es característico de la pintura holandesa de los siglos XVI y XVII. Existían en Holanda desde finales del siglo XVI cuerpos de voluntarios formados por las elites urbanas, que se reunían en caso de necesidad, y que encargaban retratos de grupo para instalar en sus lugares de reunión. En la época en que se pintó esta obra (y también el cuadro más famoso del género, la llamada Ronda de Noche de Rembrandt, de 1642) estas agrupaciones seguían participando ocasionalmente en conflictos bélicos, y recordaban el papel de las milicias en la lucha por la independencia frente a la Monarquía española.

Dentro del contexto del Museo del Prado, es interesante llamar la atención sobre un fenómeno paralelo que tenía lugar en España. Del mismo modo que el cuadro de Hals y Codde se puede considerar como una forma de propaganda visual que ensalza la disposición de los retratados a defender la República, en la corte de Madrid se realizaron en los mismos años cuadros que ensalzaban las victorias obtenidas por los ejércitos españoles. Una de estas obras es La rendición de Breda (Las lanzas) de Velázquez, pintado en 1634-35, que celebra la toma de la ciudad de Breda por parte de los ejércitos del rey de España. El cuadro de Frans Hals y Pieter Codde expresa la orgullosa respuesta de un bando; el cuadro de Velázquez, la del otro.

Hasta el 28 de febrero, +info

Gilbert & George en el CAC Málaga

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta la primera gran exposición de Gilbert & George tras diez años sin exponer en España. Jack Freak Pictures, su serie más extensa y ambiciosa realizada hasta el momento, viajará a seis países europeos siendo España, y más concretamente, Málaga, la primera capital en acoger esta impresionante selección. La religión, la raza, la sexualidad o las críticas al establishment británico constituyen la base de una exposición en la que los colores rojo, blanco y azul que simbolizan la bandera británica se erigen como los ejes centrales sobre los que versa la muestra. La exposición cuenta con el apoyo del British Council.

G&G forman parte de su obra, son auténticas “esculturas humanas”. Su apariencia seria y tradicional contrasta con el carácter irreverente de su iconografía. Recurren a ellos mismos como medio para desarrollar su obra y, a partir de ahí, el mundo que han encontrado a la puerta de su casa en Fournier Street, al este de Londres. La serie Jack Freak Pictures parte de un callejero de Londres (Hanbury Street Dance, 2008), de los árboles del patio de su casa (It Shall Be Written, 2008), medallas que simbolizan orgullo o patriotismo (Bleeding Medals, 2008)… enormes obras que recuerdan las vidrieras góticas o a unos inmensos caleidoscopios dominados por motivos geométricos.

Su obra aborda la propia existencia del ser humano y ahonda en temas como la sexualidad, la raza, el sida, la muerte, la fe o la religión. Baste como ejemplo Christian England, 2008 en la que un Jesucristo crucificado cubre sus genitales con la Union Jack y aparece flanqueado por los artistas igualmente envueltos por la enseña británica.

A pesar de ello, Gilbert & George no consideran que su actitud sea intolerante hacia la iglesia, para ellos no es más que la expresión de una opinión, una forma de luchar contra los parámetros establecidos tanto por el mundo del arte como por la sociedad en general.

Gilbert & George comenzaron a trabajar juntos mientras ambos estudiaban en la mítica St. Martins School of Art de Londres. Desde entonces han marcado una de las trayectorias más prolíficas, extraordinarias y reconocidas del arte británico contemporáneo. Tanto es así, que se han convertido en los primeros artistas vivos del Reino Unido a los que la Tate Modern ha dedicado una muestra.

G&G han realizado especialmente para el CAC Málaga una edición, de la que tan sólo hay 100 unidades (Deth Cult, 2009), cuya serie está a la venta en el mismo centro y en la página web: www.cacmalaga.org.

Jack Freak Pictures es una oportunidad única para disfrutar de unos de los artistas más consolidados y reconocidos del panorama artístico internacional. Con este tipo de exposiciones, el CAC Málaga demuestra su interés por acercar a todos los ciudadanos las corrientes artísticas contemporáneas más significativas; sin duda, Gilbert & George representan la vanguardia y sitúan a Málaga a la cabeza del panorama mundial del arte.

Hasta el 9 de mayo. Fuente: CAC Málaga

Gay Icons: Andy Warhol

Andrew Warhola (6 de agosto de 1928 - 22 de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos. Ha sido objeto de numerosos análisis, exposiciones de arte, libros y películas, como el documental "I Shot Andy Warhol".

Una de las aportaciones más populares de Warhol fue su declaración sobre los "15 minutos de fama".

Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, libros y documentales. Gracias a esta fama y a la polémica al igual que a sus revolucionarias obras está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

La Sexualidad del artista
Se ha opinado mucho sobre la asexualidad de Warhol, al igual que sobre su voyeurismo, pero algunas especulaciones se han visto más o menos rebatidas por sus biógrafos (como Victor Bockris), por socios de la Factory como Bob Colacello, así como por algunos estudiosos del arte como Richard Meyer. La cuestión de la posible influencia de la sexualidad de Warhol sobre su obra, y cómo modeló su relación con otras personas se ha convertido en un tema esencial para los estudios de su obra, en tanto que es un tema al que el propio Warhol se refirió en entrevistas y conversaciones con sus contemporáneos, así como en varias de sus publicaciones.(por ej."Popism: The Warhol Sixties). A lo largo de su carrera Warhol realizó numerosas fotografías de desnudos masculinos. La mayoría de sus obras más conocidas -los retratos de Liza Minelli, Judy Garland y Elizabeth Taylor, y películas como "Blow job", "My Hustler" y "Lonesome Cowboys" tenían su origen en la subcultura gay y el underground, y se trataba de exploraciones más o menos sistemáticas de la complejidad de la sexualidad y el deseo. La mayoría de sus películas fueron estrenadas en cines X para homosexuales. Por ello no es de extrañar que algunas de las dificultades iniciales de Warhol para lanzar su carrera tenían que ver con el carácter sexual de su obra -así, los dibujos homoeróticos que presentó a una galería para su primera exposición-, generalmente considerado "demasiado abiertamente gay".

En "Popism", el artista menciona una conversación con el cineasta Emile de Antonio sobre las dificultades que Warhol había tenido para ser admitido en sociedad por artistas como Jasper Johns o Robert Rauschenberg, que ocultaban al público su orientación homosexual. De Antonio sostuvo que Warhol tenía "demasiada pluma, y eso les molestaba". Warhol se defendía diciendo que "no había nada que pudiese decir al respecto. Era totalmente cierto. Así que decidí que no me iba a preocupar, porque esas eran precisamente las cosas que no quería cambiar de ningún modo, y no pensaba que debiese cambiarlas. Otras personas podían cambiar su actitud, pero yo no." Revisando la biografía de Warhol, muchos se refieren al período comprendido entre los últimos años 50 y los primeros 60 como un momento clave en el desarrollo de su carácter. Algunos han sugerido que su habitual negativa a comentar su obra, a hablar sobre sí mismo -limitándose en las entrevistas con responder cosas del tipo "Um, no" y "Um, sí", o dejando que otros contestasen por él-, o incluso la evolución de su estilo pop pueden haberse originado en los años en los que Warhol fue "rechazado" por los elitistas círculos del arte de Nueva York.
Fuente: Wikipedia.org

+ info: Museo Andy Warhol

Exposición: Lágrimas de Eros

El Museo Thyssen-Bornemisza y Fundación Caja Madrid organizan la muestra Lágrimas de Eros. Hasta el 31 de enero de 2010.

Lágrimas de Eros, una gran exposición dedicada a los tormentos de la pasión: el lado oscuro del deseo sexual, lleva el título del último libro del escritor francés Georges Bataille, Les larmes d’Éros, y se inspira en algunas de sus ideas sobre el erotismo, como la dialéctica prohibición / transgresión o la identificación de lo erótico con el sacrificio religioso. La exposición tiene un carácter total, pansexual, e incluye todas las orientaciones y nichos del deseo: la mirada masculina y la femenina, lo hetero y lo homo, el voyeurismo y exhibicionismo, el bondage y el sadomasoquismo, los diversos fetichismos, etc. Todas esas especialidades se reconocen en el gran repertorio de los mitos de Eros, tanto los que proceden del Olimpo grecorromano como los que vienen de la Biblia. Nuestra exposición ilustra la pervivencia de esos mitos hasta nuestros días y a la vez su transformación en la época moderna, que les ha dado nuevos sentidos perversos.

Absolut prepara exposición para 2011

Andy Warhol abrió la veda y durante estos 30 últimos años han sido muchos los artistas que se han animado a reinterpretar la botella de Absolut. Para conmemorar este aniversario, la marca de Pernord Ricard ha puesto en marcha el Absolut Art Award, un premio anual valorado en 15.000 euros que reconoce el trabajo de un artista emergente y que ha tenido como primera ganadora a Keren Cytter, una artista nacida en Israel “que destaca por su sobresaliente mezcla de disciplinas artísticas”, señala la compañía en un comunicado.

Además de la creación del premio, Absolut, en colaboración con el Historical Museum of Wine and Spirits, inaugurará entre 2011 y 2012 la exhibición de arte ‘The Absolut Art Collection’ en Galärskjulen (Estocolmo) donde mostrará sus colaboraciones con alrededor de 800 artistas como Keith Haring, Helmut Newton, Douglas Gordon o los españoles Oscar Mariné, Miquel Barceló, Javier Mariscal o Sergio Prego y otros cientos de diseñadores y fotógrafos.

Fuente: Brandlife

Estreno de la primera ópera que se huele

El Museo Guggenheim Bilbao acoge el estreno en Europa de Green Aria, una Ópera de aromas. Se presentará la Ópera de aromas, un novedoso formato escénico basado en las sensaciones olfativas y auditivas, junto con un completo programa relacionado con los aromas.



Tras su reciente éxito en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, el Museo Guggenheim Bilbao acoge el estreno en Europa de Green Aria, una Ópera de aromas. En torno a esta novedosa forma artística el Museo Guggenheim Bilbao ha organizado, del 1 al 15 de octubre, un completo programa de actividades que incluye conferencias, proyecciones y mesas redondas en las que los aromas son los principales protagonistas.

La Ópera de aromas presenta una novedosa forma de arte creada por Stewart Matthew que se basa, principalmente, en las sensaciones olfativas y auditivas. Para ello, Matthew ha contado con la colaboración del prestigioso perfumista Christophe Laudamiel y de los compositores Nico Muhly y Valgeir Sigurdsson. Este trabajo experimental cuenta con veintitrés aromas originales —como Tierra, Acero Brillante y Metal Verde— que asumen el papel de personajes singulares y que se fusionan con composiciones musicales y sonidos, que en un Auditorio sumido en penumbra, cautivan al espectador a lo largo de media hora en un torrente de estímulos sensoriales.

Para esta Ópera de aromas se ha desarrollado una tecnología novedosa que consiste en la instalación, en cada una de las butacas del Auditorio, de una especie de "micrófonos de esencias" calibrados para hacer llegar al espectador las fragancias de aromas perfectamente sincronizadas.
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Robert Mapplethorpe en CAC Málaga

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga exhibe una retrospectiva sobre la obra de Robert Mapplethorpe, hasta el 15 de noviembre.

ROBERT MAPPLETHORPE

El CAC Málaga, con el patrocinio de la empresa malagueña HCP Arquitectos Asociados, presenta por primera vez en Andalucía una exposición de Robert Mapplethorpe quien, sin duda, ha sido el artista más transgresor y visionario de la fotografía contemporánea. Las 115 fotografías que componen la selección, tomadas entre 1975 y 1989, representan la esencia misma de este fotógrafo neoyorquino, amante de la perfección técnica e icono de toda una generación que con su cámara supo atrapar como ningún otro los cuerpos desnudos de hombres y mujeres, escenas de agudo carácter sexual o erótico, la homosexualidad o retratos de personalidades del ámbito del arte en el Nueva York del último tercio del siglo XX. Cuando se cumplen 20 años de su fallecimiento (fue uno de los primeros artistas famosos que murió de sida) el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga realiza una obligada revisión a todo un mito que defendió la riqueza estética de la fotografía hasta el último día de su vida.

El CAC Málaga presenta una cuidada selección de fotografías en blanco y negro de la prolífica obra de Robert Mapplethorpe dejando claro, una vez más, su interés por mostrar las tendencias más vanguardistas y los artistas más notables del arte contemporáneo.

Las obras de Robert Mapplethorpe (Nueva York, 1946 – Boston, 1989) son vibrantes, fotografías en las que la cuidada conjunción de luz y el predominio del blanco y negro, las dotan de una gran fuerza y las convierten en perdurables en el tiempo 20 años después de que fueran captadas de manera magistral a través del objetivo de su cámara; trabajos rebosantes de belleza que muestran su gran preocupación por la estética y que encumbran a Mapplethorpe como uno de los fotógrafos contemporáneos más notables del mundo.
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Fuente: CAC Málaga

Exposición: Joaquín Soroya (1863-1923)

Primera muestra que le dedica el Museo del Prado al pintor, que incluye los cuadros de gran formato de la exposición itinerante Soroya: Visión de España, patrocinada por Bancaja.

Joaquín Sorolla (1863-1923) es la primera gran exposición antológica que el Prado dedica a este gran maestro del siglo XIX y la más importante celebrada tanto dentro como fuera de España, donde no ha habido ninguna exposición de estas características e importancia aunque sí otra gran muestra monográfica de carácter antológico que se celebró en 1963 en las salas del Casón del Buen Retiro, organizada entonces por el Ministerio de Educación y Ciencia. La exposición muestra por primera vez más de un centenar de pinturas de Sorolla, el pintor español de mayor proyección internacional de su tiempo y una de las figuras capitales de la historia del arte española, en un ambicioso recorrido sobre lo mejor de su producción que incluye los catorce paneles de la Visión de España pintados para la Hispanic Society of America traídos a España en el año 2007, por Bancaja, entidad patrocinadora de la muestra.

Además de la colaboración de numerosas colecciones privadas e instituciones de todo el mundo, especial agradecimiento merece la contribución del Museo Sorolla (Madrid) que aporta a la exposición un conjunto de catorce obras entre las que se incluyen varias de las más destacadas obras maestras del artista.

El recorrido de la exposición, fundamentalmente cronológico, se estructura en varios ámbitos que ponen de relieve la importancia que adquirieron las distintas temáticas en cada período de la carrera del artista. Por ejemplo, en un espacio se reunen los cuadros de pintura social que le dieron su primera fama en las últimas décadas del siglo XIX. A continuación, un amplio conjunto de retratos y un desnudo ponen de manifiesto la profunda influencia de Velázquez en sus composiciones durante los primeros años del siglo XX. En otro ámbito se exhiben sus mejores escenas de playa, pintadas en 1908 y 1909. Debido a su particular significación y gran formato, los catorce paneles de las Visiones de España pintados para la Hispanic Society of America ocupan una sala completa de las cuatro en las que se presenta la exposición. Este espectacular conjunto constituye el más fastuoso proyecto decorativo de la fecundísima carrera Sorolla, además del verdadero epílogo y síntesis de toda su producción. La muestra concluye con la pintura de paisaje.

Visitable hasta el 6 de septiembre de 2009.
Fuente: Museo del Prado

Pilar Novello

Pilar Novello nos brinda la oportunidad de acercarnos al arte contemporáneo con su obra. Hace poco expusó en la sala Díaz-Oliva de Málaga.

Son admirables sus pinturas cargadas de simbolismo y sensualidad, un acercamiento íntimo a la mujer, como icono de belleza, de razón y de las artes. Las pinturas son muy expresivas y fáciles de entender a los ojos de personas no iniciadas en el arte, pero al mismo tiempo son de gran calidad.

Obras pertenecientes a la exposición: El arte de ser mujer

Reflejo dos iguales

El placer de la miraa

Dolor

Profundo deseo de libertad

Próximamente, en mayo expondrá en el centro cultural de los Boliches, Fuengirola (Málaga)

Si alguna persona está interesada en alguna obra o en contactar con la pintora, rogamos hacerlo al número: 669931208.

Ecce Homo

El desnudo es parte importante de la fotografía y más cuando se empiezan a utilizar a modelos masculinos. Cuerpos en blancos y negros que rozan la perfección.

Hombres risueños, sensuales, cariñosos, solos o acompañados, pero hombres. Por eso vale la pena esta recopilación de estas dosis de encantos masculinos.

Fotógrafos que participan en el volúmen:

• Manuel Ortega
• Carlos Quiroz
• J.A.M. Montoya
• Greg Bruce
• Pedro Avellaned
• Chris Reynolds
• Don Garlow
• Tony Lara
• Joan Crisol
• Ed Freeman
• Garrie Maguire
• Robert John Guttke
• Claude Alexandre
• Eduardo Peris
• Chip Goltz
• Almond Chu
• Lluís Bernat
• Norman Sinanian
• Drew Wojcik
• Frank Yamrus
• Stanley Stellar
• Chuck Samuels
• Conrad Hechter
• Jay Jorgensen
• Pedro Usabiaga
• John Falocco

Observaciones: Vertigo Publishers, 2001.

Exposición: La Bella Durmiente

Es un clásico entre los cuentos, despertar con un beso de amor. Podéis ver la exposición en el Prado hasta el 31 de mayo. ¡No os la perdáis!

Con ocasión del cierre temporal del Museo de Arte de Ponce de Puerto Rico, para la renovación y expansión de sus instalaciones, se presenta esta exposición que contribuye a paliar la escasez, por razones históricas, de pintura británica en las colecciones del Prado y en el conjunto de las colecciones españolas.

La exposición, compuesta por 17 obras - 10 pinturas y 7 estudios sobre papel- proporciona al público la oportunidad de familiarizarse con la pintura inglesa del siglo XIX y, al mismo tiempo, da a conocer una parte destacada de la colección del museo puertorriqueño.

Dos de las obras más importantes de la muestra, El sueño del rey Arturo en Avalón y Sol ardiente de junio, vienen a Madrid procedentes de Londres, donde se han exhibido como parte de una colaboración entre el Museo de Arte de Ponce y la Tate Britain. La selección incluye, además de las citadas, obras de artistas como John E. Millais (1829-1896), Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), Thomas Seddon (1821-1856) y William Holman Hunt (1827-1910) pertenecientes a distintas etapas de la Hermandad Prerrafaelita, movimiento surgido en 1848 cuyo objetivo inicial era reformar la pintura inglesa contemporánea -regida por las líneas conservadoras establecidas por la Royal Academy- basándose en una nueva visión de la naturaleza y en la búsqueda de la inocencia estética de los pintores del primer Renacimiento.

Entre las espléndidas obras que conforman la exposición, cabe destacar la reconocida como obra maestra de Burne-Jones, El sueño del rey Arturo en Avalón, por tratarse de una pintura que, a excepción de su reciente participación en la exposición de Londres, no había salido de Puerto Rico desde que Ferré la adquirió para el Museo de Arte de Ponce en la década de los 60. La obra no había sido prestada antes tanto por su importancia para la colección ponceña como por las dificultades de su traslado dado su gran formato, con más de seis metros de ancho. Se trata de una pintura, fruto de la fascinación de Burne-Jones por la leyenda del rey Arturo –compartida por otros colegas contemporáneos como Rossetti o William Morris-, a la que el artista dedicó los últimos años de su vida, trabajando en su constante reelaboración hasta el día anterior a su muerte. Esta gran tela estará acompañada en la exposición por una serie de bocetos y dibujos preparatorios que ayudarán a entender cómo trabajó el pintor hasta plasmar su imagen de ensueño.

El recorrido por la exposición muestra extraordinarios ejemplos de los fundadores de la Hermandad Prerrafaelita como La señorita Gladis M. Holman Hunt, obra de William Holman Hunt, el artista que más fiel se mantuvo a lo largo de su carrera al lema del grupo: “fidelidad a la naturaleza”; La huida de una hereje, 1559 de John Everett Millais que desarrolló la tradición de presentar anécdotas imaginarias del pasado como un medio para universalizar los sentimientos de los individuos o La viuda romana de Dante Gabriel Rossetti, obra que forma parte de una larga serie de enigmáticos retratos de mujeres de medio cuerpo, influenciado en parte por el retrato veneciano del Renacimiento.
Fuente: Museo del Prado